細響空間 CISUM SPACE https://cisumspace.com 你最藝文的教學空間 Thu, 02 Jul 2020 09:49:53 +0000 zh-TW hourly 1 https://wordpress.org/?v=5.5.3 https://cisumspace.com/wp-content/uploads/2020/10/cropped-細響logoO-01-32x32.png 細響空間 CISUM SPACE https://cisumspace.com 32 32 「工筆畫的奧秘(三)-重彩」中西文化兼容並蓄的新羈絆 畫出過去與未來的新橋梁 https://cisumspace.com/archives/4512 https://cisumspace.com/archives/4512#respond Thu, 02 Jul 2020 07:52:49 +0000 https://cisumspace.com/?p=4512

工筆重彩畫簡介

工筆畫為中國傳統繪畫的一種畫法,細分為工筆白描和工筆重彩兩大類。工筆重彩也稱為「岩彩畫」,其透過重彩顏料,即所謂天然礦物質顏色為主,如石青、石綠、硃砂、蛤白等素材作畫,因此古人時常會說用「丹青」作畫,間接道出了工筆重彩畫畫風型態。

「重彩」一詞源自詩經,原先表示顏色豐富的華麗服飾,然而這跟我們所認知的重彩意義大相逕庭,因此要了解它的意義必須從兩個字本身的解釋去討論,「重」字在字典中有幾十種解釋,但就字面意思看,它與「輕」是相對應,也指色味濃,「重」在繪畫上指材料,指的是礦物質顏料,就顏色的質地來說即是以礦石為原料,經研磨成粉或小顆粒狀調膠而成的繪畫顏料,它特點具有覆蓋性,所以給人以厚重、凝重、濃重的印象。

工筆重彩的歷史演進

工筆畫自中國宋代以後,由於「水墨至上」的文人畫深深引領中國繪畫上千年,導致重彩畫漸漸的消失在世人的眼中。而在重彩畫消失的這段期間,它在現代文化以及審美條件下轉變成為了一個新的畫種,其慢慢地回到「塵世」是約在70年代初,藝術家紛紛重新舉起了以敦煌壁畫為代表的中國民間重彩之旗幟,想要恢復漢唐時期對於強調色彩表現力的雄風。

到了90年代,一群中國青年赴日留學,間接地把在唐朝時,被日本遣唐使帶走的中彩畫歷史重新搬回了自己的國家,它充分的透過現代的色彩、素材的利用進而結合西方的抽象結構以及裝飾的美感,形成了一股富有色彩、紋理以及造型交織而成的強大美感,不僅強化了中國繪畫的表現力,也加深了重彩畫本身繪畫的本質。

中國的現代重彩畫之出現讓它在中國畫壇中形成了一個新的碰撞,除了振興重塑了重彩畫的定義,同時更轟動了西方世界,成為了一股廣受世人稱讚的龍捲風。而至於當今的中國重彩畫則是兼句了古代和現代、東方與西方,它以其獨特的裝飾風格和鮮明華麗的色彩,為中國繪畫開拓了一個全新的領域以及昇華至另一個層次。

張筱君作品 圖片來源:https://hhh47825.pixnet.net/blog/post/246004976

 重彩畫的貢獻

一 . 中國敦煌壁畫以及傳統工筆重彩民間美術的傳承

如同上述所介紹,古代優秀的民間畫家透過了純天然顏料所繪製而成的壁畫,其繽紛絢麗的色彩皆能夠表現出工筆重彩畫的核心靈魂也是工筆重彩畫的前身,現代的重彩畫則是結合了中西方文化的文化差異,進行融合並產生了有別於傳統但卻不將其抹滅的新詮釋方法。自中國唐代時期,唐高宗因推行佛教又實施開放政策,因此許多當時所製作出來的壁畫可以說是將純天然顏料的開發及以工筆重彩為主要表現的繪畫形式在整個封建社會達到了最高峰。

中國現代重彩畫之所以會有這樣的成就就是歸因於對中國古典美術的研究以及挖掘,並進行更深入、更大寬度的拓展傳統,因此這就是一種相互作用、相輔相成的關系。對中國現代重彩畫以及對敦煌壁畫及傳統工筆重彩的研究皆不應該是孤立的,而中國現代重彩畫恢復並發展了敦煌壁畫及傳統工筆重彩、民間美術的特有色彩表現力,敦煌壁畫及傳統工筆重彩的色彩魅力也就在中國現代重彩畫中得到了充分體現。

二 .重彩畫體現了中國傳統材料技法與當今世代的美感

其實中國現代重彩畫的傳統材料技法在與西方材料技法交互時,能清楚了了解到過去一段時間,重彩畫在壁畫以及民間美術領域上是受到排擠與輕忽的對待,所幸利用中國傳統高麗紙、水墨、毛筆及西方的水粉顏料、及現代的馬克筆等現代材質、色彩進行創作,重現了過去中國敦煌壁畫以及重統工筆重彩時期飽富絢麗色彩的精神,中國過去失傳的礦物質顏料與技法也透過留學生從日本帶回中國,並透過與西方當代藝術的結合,打造出一個富有傳統內涵但又能符合當代美感的一個藝術表現方式。

而當今又以中央美術學院的蔣雪萍、胡偉教授為代表的中國現代重彩畫的岩彩派。

三 .重彩畫與西方繪畫文化的碰撞

如同前段所述,中國現代的重彩畫就是中國傳統繪畫與西方審美文化的結合,但中國現在重彩畫在繼承傳統的技法同時,也建立了一個屬於自己的座標。這個座標可以說是豎立在過去並指向未來,當我們在過去與未來的交叉點上時,就能體會所謂國際文化藝術的共通性以及共有性,可以發現其實人類的文化藝術中是有許多共通點的,因此中國重彩畫在接受西方文化的同時,是可以拋棄為我獨尊的狹隘的民族主義思想,大膽地融合西方的裝飾色彩以及有別於中國傳統的色彩構成理論,放開心胸去學習新的事物,也不會害怕本身的技法會被他國的文化所取代,這就是所謂「藝術不存在絕對的真理,真理是不斷發展的過程」。

我們不需要刻意地將東方與西方的文化做嚴格的劃分,或是將古典與現代分離,重彩畫藝術在這方面就是一個很典型的模範,如果當時不去接受西方文化的不同觀點,那就不會有今天的現代重彩畫,就不會有新的創造力,更不用說去感染他人或是將重彩畫帶回中國的繪畫世界中,中國現代重彩畫從歷史與客觀角度看待傳統與現代、東方與西方,充分體悟東方與西方造型觀念之間早就存在的契合和相互影響,實踐了與國粹主義不同方向上,建立起一座實現與西方繪畫、審美的合壁與發展的橋梁。

四 .影響重彩畫成功的關鍵要素

現在中國重彩畫的發展以丁韶光為代表的中國現代重彩畫派(美國稱雲南畫派)在世界上的成功,顯示出中國現代重彩畫在世界藝術領域中已經搶下了一塊大版圖。中國重彩畫之所以會在國際上有亮眼的成績,也是把中國傳統材料技法與西方材料技法、文化及審美巧妙融合在一起,向世人展示了中華民族文化融合外來文化的勇氣以及探索精神及魄力。傳統技法應該是當代藝術表現的動力和資源,而不應成為阻礙藝術發展的框架,更不能成為死板的公式與教條,中國現代重彩畫正是在繼承的基礎上賦予它新的生命力和時代精神,打破國界的概念,中國繪畫也正是在不斷融合外來藝術的同時,自身得到發展並逐步發展起來的,因此,我們沒有必要擔心借鏡外來文化藝術便失去民族性的問題。

騰模作品《高原祥雲》圖片來源:KKNEWS

如何欣賞重彩畫(資料來源:kknews)

重彩畫的材料美:

礦物質顏料特有的原礦顆粒型材質,成就了重彩畫永恆的自然美。重彩畫顏料大都來自於大自然中的岩石(也有自然動植物和人工高溫結晶),色彩穩定、粗細可選、濃艷適中、千年不變。

重彩畫的色彩美:

色彩是繪畫視覺效果的重要構成因素。對於當代中國重彩畫家而言,色彩作為重要的語言元素,可以充分表現畫家的意識與審美感知,增強繪畫語言的表現力和感染力。

重彩畫的形式美:

現代重彩畫在畫面構圖上更多的採用了現代繪畫語言,融入了色彩構成、平面構成等諸多要素,使畫面更加平面化、裝飾化,更符合東方藝術的審美。

重彩畫的意向美:

意向造型觀是中國繪畫不同於西方繪畫的特徵之一。採用以形寫神而不是完全拘泥於物體結構的造型手法,將客體複雜的物象形態主觀性處理,創造出富有意趣的畫面。

重彩畫的肌理美: 

礦物質顏料自身的顆粒,厚實的材料加上綜合技法(塗、染、刷、勾、撞、皴、托、噴、沖、積、擦、印、灑、粘等)的運用,製作出特殊的畫面肌理效果,在表現上更有感染力。

丁紹光作品 圖片來源:設計之家
]]>
https://cisumspace.com/archives/4512/feed 0
「工筆畫的奧秘(二)-白描」只是簡單的線條作畫技巧,竟藏著變幻莫測的細節! https://cisumspace.com/archives/4367 https://cisumspace.com/archives/4367#respond Mon, 15 Jun 2020 09:36:44 +0000 https://cisumspace.com/?p=4367

什麼是工筆白描?

工筆白描就是完全用墨的線條來描繪對象,不塗顏色。中國畫裡的線把筆觸的形式美感提升到了絕對高度,即重視線條本身的形式美、抽象美,除了反映式的描繪,更是作者主觀審美價值之體現,白描本來原先是用來打草稿的,宋代畫家李公麟將它發展成獨立的畫種,他的白描如行雲流水,變化無窮豐富,有很強的表現力。

現代工筆白描是對傳統形式繪畫風格的繼承和革新,具體表現在對於白描程式的探索以及對白描概念的再認識,至於線條的表現潛力和藝術活力則進行更深入的挖掘,對改變線的性質做些許試探等等。

不管是中國古代的傳統工筆技藝,五花八門的民間和少數民族美術,亦或是流派涵化的西方古典美術和現代藝術思潮,皆於工筆白描的選擇範圍內並重新加以取舍,使其溶解於藝術實踐之中,展示出一個豐富博大的藝術領域。

工筆白描之特色

工筆畫的線條藝術性主要表現於質感、陰陽、空間、韻律這四個方面。

質感:

工筆線條之所以會有質感美是因為在作畫的時候,藝術家會針對不同的繪畫主體採去不同的用筆理念以及技巧,舉例:較為凝重的葉片就會用鐵線描、樹木的枝幹就會用逆風澀筆、輕巧的草本藤蔓就會用中潤鋒筆等等。一幅畫常常可以表現多種線條的質感,像是衣服的飄逸感,鬢鬚的飛揚,尺牘的平實、肌膚的柔軟或是槍械的鋒利感等等,每種形體皆有自己獨特的表現方式,因此畫家必須要經過許多不同不同的嘗試才可以完全找到最適合的質感美。

陰陽:

工筆畫之所呈現出的陰陽美也成為其中的一大特點,不管是古代藝術家或是近代畫家所表現的工筆花鳥作品皆可以得知,花葉根部的線條較為粗濃,花葉的瓣尖部位則會透過較細的線條呈現,至於圓柱狀的暗面通常會選用較亮面粗略的線條做變化。因此就可以說明較為深色的背光面即屬於「陰」的部分,受光面則是「陽」的部分,「陰粗陽細、陰濃陽淡」即為工筆畫的基本法則。

空間美:

我們可以從工筆畫的作品中得知,離我們越近的物體,線條通常都會比較厚實,離我們較遠的物體,通常會用色會較為淡化。其實這就是中國畫所謂的「透視」,工筆畫透過線條的操作,表現出來的空間感可以說是不可忽視的重要。

韻律:

工筆畫線條的韻律美總是令觀賞者著迷,透過線條的疏密、曲直、粗細、力度以及虛實的變幻,呈現出的是工筆畫的節奏以及韻律姓,工筆畫去除了色彩之後就是一個完整個線描圖,因此好的工筆畫就必須要有好的線條,線條成功了,作品就成功一半,因此線條的呈現決定了作品的優劣。最早的白描人物畫為湖南長沙楚墓發現的古帛畫《夔鳳婦女圖》,在當時就可以看出線條的精鍊程度,是大大的牽動著作品的一切。

白描的用線(參考處:kknews)

白描是單純以研究和提高線的表現力為目的,這種練習目的明確、集中並且要求嚴格,為達到用線條簡練地概括對象的特徵,體現線的表現功能,追求高度概括的藝術境界,要求勤思考多練習,除了寫生和臨摹,還可輔助其他訓練方法,如書法練習和讀畫。

(1)起筆藏鋒:如起筆欲向右行,先向左藏鋒頓筆,然後再向右行,這叫欲右先左,反之,則欲左先右。上下行筆也是這樣,欲下先上,欲上先下,這樣筆與紙就有了摩擦。

(2)行筆:行筆要穩,速度要慢,對紙面壓力要均勻。行筆中有各種變化,中途轉向稍停為「頓」,向後折回為「挫」,頓挫時要調整筆鋒方向,不要出現側鋒。中鋒圓轉用筆為「轉」,側鋒方拐為「折」。

(3)收筆回鋒:每逢收筆都要向來的方向收回,所謂「天往不回」,「不垂不縮」,使線的結尾含蓄有力。

同時也要注意練習用線的各式筆墨變化,像是中鋒與側鋒、順鋒與逆鋒以及頓挫、轉折、粗細、連斷、方圓、疾徐、光毛、虛實等等,再加上濃淡、乾濕等墨色的變化,藉此達到白描在形式美感方面的要求。

中鋒用筆要執筆端正,筆鋒在墨線的中間,在用筆時的力量要均勻,筆鋒垂直於紙面,其效果圓渾穩重。側鋒用筆執筆偏側,筆鋒在墨線的邊緣,筆鋒與紙面形成一定的角度,用力不均勻,時快、時慢、時輕、時重,其效果毛、澀變化豐富。

白描的於文學上的意涵(參考處:華人百科)

另外,在文學中,工筆白描的用法是描繪出人物所處的大環境,舉凡生活環境、心因素或是感情生活等其中之一,並通過細節突顯出人物的某一特質,是一種能夠畫龍點睛的修辭手法。

白描要求運用極簡省的語言,描摹景物的特徵,藉此反映作者的感情,不加烘托,簡潔明了地刻畫出鮮明生動的形象的一種描寫手法。採用白描手法寫的詩歌,看似平淡,細細品味,卻意味深長。如孟浩然《春曉》、陶淵明的《歸園田居》(少無適俗韻)都惜墨如金,分別粗線條的勾勒出春天的景象和詩人歸隱田園的情景。

而工筆則是對事物註重局部細節描寫,對之進行精雕細刻、濃墨重彩的描寫。如王維的《待儲光羲不至》:「重門朝已啓,起坐聽車聲。要欲聞清佩,方將出戶迎。晚鍾鳴上苑,疏雨過春城。了自不相顧,臨堂空復情。」詩人緊扣題目中的「待」字,描寫了詩人等待客人到來的種種情景:清早啓門待客來,但坐立不安,時坐時起。接著又描寫聽覺上的幻境,然後又通過景物描寫(晚鍾鳴上苑、疏雨過春城),從早到晚,友人還是沒有來,而是自己多情(空復情)。在詩中,詩人通過一系列的細節描寫(動作、神態、心理、景物),表達了盼望好友到來的急切心情以及好友未至的悵惘心情。

]]>
https://cisumspace.com/archives/4367/feed 0
「工筆畫的奧秘(一)」盡其精緻的畫工劃過了時空、勾勒了物體的生命 https://cisumspace.com/archives/4286 https://cisumspace.com/archives/4286#respond Thu, 11 Jun 2020 10:30:16 +0000 https://cisumspace.com/?p=4286 什麼是工筆畫?

工筆畫,是中國畫的一種,特色在於透過精僅細膩的筆法於經過膠礬加工過的絹或宣紙上描繪出景物的中國畫表現方式。細分工筆畫可以分為「工筆白描」以及「工筆重彩」兩大類,簡單解釋工筆白描是指不用色,單純用墨勾勒創作,工筆重彩顧名思義是使用重彩顏色去作畫,主要以天然礦物質顏色為主,像是石青、石綠、硃砂、蛤白等。

工筆畫的歷史背景

工筆畫起源於戰國時期的帛畫,又被稱為「細畫」,可以說是歷史相當悠久,從戰國時期到南北宋時代,工筆畫的創作漸漸趨向成熟的地步,工筆畫主打「盡其精微」的概念,透過「取神得形,以線立形,以形達意」的方向達到形體與神的完美結合。

在中國唐朝時已經開始盛行,盛行原因一方面為繪畫技法日趨成熟,另一方面則是由於繪畫的材料改進,絹料的改善對於工筆畫的發展起了不小的作用。根據北宋書畫家米芾的《畫史》紀載:「古畫至唐初皆生絹,至吳生、周、韓斡,後來皆以熱湯半熟,入粉捶如銀板,故作人物,精彩入筆。」唐代的花鳥畫傑出畫家「邊鸞」所畫的鳥類相當活躍具有生命力,所畫的花卉極為絢爛的綻放,作品《牡丹圖》更是光色艷發、妙窮毫釐。

在工筆畫中,不論是花鳥或是人物皆追求所謂的「形」,跟水墨寫意畫不同(下段說明),工筆畫則是相當注重細節與寫實之處。時代推進至明末後,西洋繪畫技法傳入中國,中西方繪畫相互影響的情況下,工筆畫的創作就更加強調在造型上,保持了線條流動以及飽富詩意的內容,到了清朝乾隆時期,「工筆畫」作為一個規範的繪畫品類概念正式被提出。

畫家周舫的作品《簪花仕女圖》、《揮扇仕女圖》以及畫家張萱的《搗練圖》、《虢國夫人游春圖》所描繪的全是現實生活,這些作品不但富有強烈的描繪性,更充滿哦了詩意。

工筆畫和寫意畫的差別何在?

「什麼是工筆畫,什麼又是寫意畫?這兩種畫在筆法上有什麼不同?欣賞意境上又有什麼區別呢?」

工筆畫以及寫意畫皆為中國畫,但兩種畫在創作上具有相當不同的畫法,特別是在用筆、用色、審美情趣以及意境等方面上有不小的差異。

工筆畫如同上段所提及,是運用工整、細緻、縝密的技法去描繪物體的畫法。可以分為工筆白描以及工筆重彩兩類。線條細膩、工整、用色鮮豔、明快等,具備較強的裝飾性質,中國歷史中宋代以前的工筆畫為畫壇正統,大部分的畫家擅長的是工筆畫。

明清後寫意畫快速的竄起,發展得相當迅速,漸漸的領導了整個畫壇,但是還是有工筆畫好手存在,像是仇英、馬振都是當時的代表人物。看圖就可以知道畫家以細膩的技法來彰顯他們的功底。寫意畫追求的並非工畫形似,而是以精練的筆法勾勒出景物之神韻,作為抒發畫家情趣的一部分,特別在於文人繪畫的興起,對寫意畫的發展推進了一大步。他們倡導透過粗放、簡練的線條,畫出對象的形神,再來表達特定的概念意象。

工筆畫的基本染法和重要技法(資料參考處:壹讀)

1、雙鉤:「雙勾」就是物體的體現是靠「線條勾勒」而出的意思(原為書法術語:法書上石,沿其筆面的兩側外沿以細線鉤出,稱為「雙鉤」)。

2、平塗:在一定範圍內均勻填塗某一種沒有濃度變化的色彩,稱為平塗。

3、統染:在繪製工筆的過程中,根據畫面明暗處理的需要,往往需要幾片葉子、幾片花瓣統一渲染,強調整體的明暗與色彩關係,稱為統染。

4、分染:工筆畫繪製中最重要的染色技巧。一支筆蘸色,另一支筆蘸清水,色筆在紙上著色以後,再用水筆將色彩洗染開去,形成色彩由濃到淡的漸變效果。為了和統染有所區別,我們通常將小面積、局部的、較為細緻刻劃的渲染稱為分染。

5、提染:分染接近完工時用某種色小面積、局部提亮或者加深畫面稱為提染。

6、漬染:一種見筆觸的濕染法,色筆較干,略帶皴擦,然後用水筆趁濕點染,破開原有的色彩,常見於破碎葉片邊緣的處理。

7、斡染:水筆在色塊的四周旋轉,將一塊色彩向四周染開。畫仕女臉頰的紅暈時即是採用此法,工筆牡丹的繪製中尤其是反瓣根部的著色也時常會採用此法。

8、點染:用接近寫意的筆法,一筆蘸上深淺不同的色彩在畫面上連點帶染,取靈動之意。處理背景或小型花卉的時候時常用到此法。

9、接染:用兩支或兩支以上的筆蘸不同的顏色畫出物體不同的深淺色相,然後用水筆或者另外的色筆趁濕潤的時候將顏色接染融合在一起。常見於沒骨畫法或者背景上比較虛一些物體的處理。

10、立粉法:點花蕊的重要手法之一。長鋒筆飽蘸粉黃(藤黃加白色),也可略調一點膠進去,色彩的濃度要非常大(將滴欲滴的感覺最合適),同時豎立筆鋒,緩慢點出蕊的形狀,濕潤時色彩會高出紙面1毫米左右,等幹了就會形成兩邊高中間凹的視覺效果,很有立體感。

11、沖彩法:現代工筆常用肌理手法。在熟宣上先塗上某種顏色,在底色還沒有乾的時候趁濕潤沖入別的色彩或清水或膠礬等。利用水和色的交融,產生一種斑駁無序的自然肌理美感。繪製老乾、坡石等處常用。「撞粉法」、「灑鹽法」所運用的原理皆和沖彩法類似。

12、絲毛法:工筆禽鳥羽毛處理常用手法。用長鋒勾線蘸墨或色或白粉等依照鳥類的羽毛走向逐根一筆一筆的畫出。此法嚴謹細膩,真實自然,是工筆鳥類畫法的基礎技巧之一。

13、罩染:在已經著色的畫面上重新罩上一層色彩並局部渲染。

14、醒染:在罩色過後色彩略顯發悶的畫面上用淡淡的深色重新分染,以引出底色部分,重新使畫面醒目。

15、烘染:在所描繪的物體周圍淡淡的渲染底色用來襯托或掩映物體。

16、復勒:設色完成以後,用墨線或色線順著物體的邊緣重新勾勒一次。

17、水線:工筆畫常用手法之一。工筆設色中遇到物體的邊緣或者線條的時候,經常會採用留一道亮邊的手法來區分局部色彩或用來保留線條或用來體現物體的厚薄程度,這條亮邊就稱之為水線。同時,保留水線也能較好的體現出工筆國畫所獨有的裝飾趣味。

下篇告訴大家什麼是工筆白描

]]>
https://cisumspace.com/archives/4286/feed 0
解說式古典音樂沙龍 讓你也能「說」出自己獨特又浪漫感性的藝術思維! https://cisumspace.com/archives/4239 https://cisumspace.com/archives/4239#respond Mon, 08 Jun 2020 08:31:49 +0000 https://cisumspace.com/?p=4239

解說式古典音樂會顧名思義就是以「解說」的方式去架構整個音樂會的型態,過程有別於以往只有欣賞音樂的模式,延伸出分析解構的示範演奏表演內容,透過對於樂曲的全方位解析,將樂曲中所概括的歷史背景、人文藝術核心價值、演說表演者對於音樂的情感、思維都加入至該音樂沙龍中,經過不同層面的思考碰撞出一個具有深度且吸引人的魔幻空間。

想要知道什麼是解說式音樂會,那你就必須要先了解「音樂詮釋學」。

何謂詮釋學?

「詮釋學」(Hermeneutics)又稱為解釋學、闡釋學,廣義的解釋為意義之理解(understanding)或詮釋(interpretation)的理論或哲學。因事件的意義經常會有許多不同的解釋而產生爭議,這時就必須透過理解詮釋的方式方能將全部的義理整理出來,詮釋學就是研究如何形成理解以及如何實踐理解的科學理論。

其中,詮釋學的遞嬗,針對「理解」的探索過程略可分為:傳統詮釋學、近代詮釋學、當代詮釋學這三個時期。

傳統詮釋學:源自希臘Hermes神話,Hermes相傳是天神的信使,祂負責將眾神的神旨釋義,解釋給世人。不過眾神的旨意往往因為太過艱深,倒置沒有人能夠理解,這時就有對於語言以及文本的解釋之必要,詮釋學就此誕生,詮釋學的最初概念即是正視了語言意涵以及脈絡的釐清並揭露艱深象徵的意涵,中世紀後期的詮釋學往往用於文學、神學或法學等等領域,也有不少人將詮釋學用在解釋文憲典籍、法典以及聖經。

近代詮釋學:始於弗里德里希·施萊爾馬赫,他是第一個在意意義解釋的「過程」,他更將理解過程分成了「文法理解」及「心理理解」,並強調理解在於回溯作者思想及意識,其意思就是將詮釋學定義成重建作者創造的過程。之後,狄爾泰從精神科學觀點,強調自然科學與精神科學應嚴格區分,自然科學之探究應只作因果解釋,而精神科學之整體性及獨特性。他認為透過生命表現可以經過體驗的過程去理解,探討出具有歷史意義的理解過程。

當代詮釋學:包括了「哲學詮釋學」、「方法論詮釋學」及「批判詮釋學」等三思潮。哲學詮釋學之代表人物伽達默爾認為理解是「此有」(Dasein)之存有方式及開顯自我的過程,而詮釋學應奠基於存有論之基礎,加深成一種哲學探究,以作為一切科學理論的基礎。嘉達美則是強調理解立基於歷史傳統上,藉語言之中介而行,人類是無法脫離歷史傳統而獨存。即哲學詮釋學主張理解乃真理、自我之彰顯,反對方法之宰制,並強調歷史、傳統及語言在彰顯過程中之重要性。

詮釋學對音樂的影響

從音樂層面去討論詮釋學,音樂詮釋學的出現與音樂作品概念的轉變有很大的羈絆,雖說中世紀時就已經有音樂作品的概念,但由於音樂創作受到不同外界因素以及功能,導致原創性的概念並非凸顯。在16、17世紀的作曲家設法透過對於依附體裁法則來證明自己的聰明才智,18世纪後,音樂家創作藝術與機械創作漸漸的被分離出來,音樂的功能性以及原創性、體裁才慢慢地發生根本的轉變。

音樂作品的呈現逐漸的擺脫了體裁上的限制,開始呈現出音樂家不同的個性、獨立思考的概念,音樂的獨特性也慢慢地受到世人的重視。這時,人們開始發覺音樂作品的獨特性以及理解不能只靠理解或是實證研究,而是要經過詮釋性的研究。

而音樂其實是與美學、哲學有一定的關聯,這時音樂逐漸脫離了宮廷或是教會這種菁英份子的世界,獲得了解放,形成了所謂的超越、分離性,人們可以將音樂作品當成是一種審美的對象進行欣賞,就很像是擺在美術館的藝術品一樣,將音樂作品當成一種審美的定義。

至於音樂與哲學的關聯,音樂詮釋學是實證主義的反思,隨著近代自然科學的進步,人文科學的發展相對是屬於較沉寂的一方,因此許多人文學者希望透過自然科學的ˊ˙方式來驗證人文科學。「樂曲解說」算是一種「實踐學」(Praxis) 的書寫,然而實踐學僅是一種理論的書寫,這個理論涉及到作品的實踐內涵,像是作品本身為何、如何被作曲家創作以及作品是如何被執行等等。

我國的解說式音樂會

講師彭廣林

現任東吳大學音樂系專任教授兼主任的彭廣林老師,同時也是台北愛樂廣播FM99-7《什麼是音樂》製作與主持的他曾於中國時報的採訪中表示 :「西方從宗教革命、科學革命、工業革命到啟蒙運動等作為文化發展的基礎。但反觀東方的文化卻以道德為基礎,東方的精英文化永遠在象牙塔中,孤芳自賞。」這點呈現出了東西方世界對於音樂理解的差異,由於18世紀的法國大革命,歐洲國家帶出了民有民治民享的觀念,一般大眾也有機會分享貴族精英的一切。

目前身為台北四重奏一員的他,每年巡迴台灣各地演出推廣古典音樂。透過廣播、書籍、演講與演出,讓古典音樂突既有的藩籬與限制。走出象牙塔深入各地家庭,其節目也廣受愛樂人士的歡迎,並且於 2004年獲得廣播金鐘獎最佳文教資訊主持人。

因此彭廣林老師希望也能透過「解說式音樂會」,將普羅大眾認為艱澀難懂的古典音樂分享至民間,他希望能夠藉由單一主題傳遞古典音樂的知識,讓大家能夠感受文化的底蘊。

何為弦樂團四重奏?

解說式音樂會除了講師外,弦樂團的搭配也是沙龍的一大特色,至於很多人應該對於弦樂四重奏並不是很了解,以下就來為大家簡單介紹什麼是弦樂四重奏。

弦樂四重奏即為一種音樂演奏形式,顧名思義是由四把弦樂器組織而成,通常是兩把小提琴(第一小提琴通常演奏高位旋律,第二小提琴則演奏低位旋律),一把中提琴和一把大提琴,標準的弦樂四重奏屬於一種常見的室內樂,自18世紀以後,大多數的作曲家都寫有弦樂四重奏。而音樂家海頓將源於巴洛克時期的組曲形式化為弦樂四重奏的標準形式,被後世尊為「弦樂四重奏之父」。他也在社交場合以及臨時組成的弦樂四重奏團中演出他自己的作品,就連音樂家莫扎特也曾與他搭檔過。

台北弦樂團四重奏

台北弦樂團四重奏是由四位優秀的演奏家所組成,分別為小提琴手許罡愷、周立婷,中提琴手陳冠榮以及大提琴手王嘉欣,四位音樂家本身隸屬於台北弦樂團的成員,各個琴藝精湛動人。團體由彭廣林講師領軍,藉著老師生動的導聆,使的觀眾更能理解音樂的內涵與結構,也使的古典音樂再也不會那麼艱澀難懂。

看完了以上的內容,你對於解說式音樂會的形式是不是有多一點的了解呢?快快加入解說式音樂會的行列,讓我們一同沉浸在古典音樂的世界吧!

]]>
https://cisumspace.com/archives/4239/feed 0
乘載千年東方歷史的古典樂器-古箏 https://cisumspace.com/archives/4092 https://cisumspace.com/archives/4092#respond Thu, 28 May 2020 06:08:09 +0000 https://cisumspace.com/?p=4092 認識古箏的歷史 

箏的淵流以及形制的沿革

關於箏的淵流有許多說法,相傳箏是秦代時蒙恬將軍所發明的,所以古箏又稱秦箏。也有人說早期的古箏很可能是「筑」演變而來的一種竹子製成的樂器,原因是樂器發展史是先有打擊樂器,隨後才有彈撥樂器。而筑的右手彈奏手法,是利用竹尺擊之,正是沿用了打擊樂器的奏法,因此有人推測筑是箏的來源。

另外,坊間還流傳了一個箏的傳說,就是在秦朝時,有一個叫做婉無義的人,他擁有一台中國古樂器叫做「瑟」,因為珍貴,所以想要把這個樂器傳給自己的兩個女兒,沒想到兩個女兒居然開始互相搶這個瑟,婉無義最後拿他們沒辦法,只好將二十五弦的瑟打破分成兩片,其中一片十三弦分給姐姐,另一片十二弦分給妹妹。不過這個傳說聽聽就好,因為沒人可以證實後來這兩姊妹所用的樂器就是當今的箏。

最早的古箏實物

綜觀上述的歷史資料,箏其實在春秋時期的秦國就已經存在,用於原始的舞樂。到了漢朝時,箏為筑的琴身加裝至五弦而成。唐朝初年有軋箏的記載,證實了由擊弦樂器轉變為撥弦樂器,並發展至十三弦,非常接近現代古箏的芻形。南宋時,軋箏易名「蓁」,七弦箏以及十三弦同時被使用,而十三弦箏多用於民間。清代以後廣用十三弦箏而取代了七弦箏。

箏弦的沿革以及琴體構造

箏體為木製的扁長方形空盒,面版有弧度突出,弦兩短則搭載山口上,右山口呈現s形,右岳山為平直,左側是箏尾的地方,有弦釘來固定琴弦。右側有螺絲釘,可調節弦的張力並控制音高,中間利用琴碼(稱作雁柱)支撐琴弦,移動琴碼就可以調音了。

古箏的構造

琴體構造

1.面板:使用陳年、木質干而松的梧桐木來制作,也有人使用白松制作。蒙族箏的面板用楊木制成。

2.底板:用梧桐木制作或者用其它的硬質木料制作。

3.箏邊:也稱作邊板,即為箏的側幫,一般箏有兩個箏邊,靠近靠近身體的一側稱為內箏邊,另一側稱為外箏邊。

4.箏頭:箏頭的作用是固定琴弦,由穿弦孔來固定,有些箏頭是用來固定琴釘的。箏頭的側面有一個出音孔,音孔上面有一個音窗,讓聲音可以從裡面與箏頭共鳴相通。

5.箏尾:它主要用于安裝琴釘。此處在造型上也起著與箏頭對稱平衡的作用。

6.岳山:也稱木梁或是山口,在箏上有兩個岳山,一個在面板與箏頭的連接處,叫作前岳山,另外﹔一個在面板與箏尾連接處,叫作後岳山。岳山隨面板的前后圓弧而自然成彎弧形,與面板基本上成九十度角。

7.琴碼:也稱柱,或稱雁柱。它是箏弦和面板的傳振支柱,利用木製的效果為佳。在桅木上還鑲有一個小骨片,在骨片上刻槽,用以穩固箏弦。每個琴碼支撐著一根弦,共有二十一個琴碼。

8.琴釘:也稱做肖子,它用於上弦,調整弦的松緊,可以控制音的高低。

9.出音孔:箏有三個出音孔(有些是兩個出音孔),在箏頭側面有一個,底板上有兩個,出音孔位置、形狀和大小皆與音色、音量有關。

10.:至於箏弦的沿革則是要追朔到戰國末期,從那時開始琴弦增加到了十二弦,到了唐朝十增加到了十三弦,增加了一弦貌似改變不大,但其實,十三弦相較於十二弦來說,更能加強主音的部分,更有實用價值。時代到了元、明、清三代時,又出現了十四弦以及十五弦箏,民國以後,古箏的弦數一直在增加中,從三、四十年前流行的十六弦箏,一直增加到目前最多人使用的二十一弦箏及二十六弦箏等等。

目前市面上常用的箏共有二十一根弦,第一弦是最高音,第二十一弦為最低音。在用弦方面則根據不同的需求,將銅絲弦、金屬纏弦或是尼龍纏弦以及其他的弦加以適當的配置,現以尼龍纏弦使用最為廣泛。

古箏的種類

若是用弦數量做區分的話,傳統箏分為:十二弦箏、十三弦箏、十四弦箏、十五弦箏、十六弦箏。河南傳統的十六弦箏,面板的弧度大且箏體長,廣東傳統的十六弦箏則相對較小。歷史上各傳統箏主要用絲弦,清朝中葉開始用銅弦。

改革箏的種類有:上海二十一弦箏、廣州十八弦箏和二十一弦箏、蘇州二十一弦箏、北京二十一弦箏。

改革的轉調箏有分為下列幾種:

1.移碼式踏板轉調箏,是由沈陽音樂學院研制。在轉調部分,採用踏板式移碼轉調 。

2.營口十五弦腳踏式轉調箏和二十一弦按鍵張力轉調箏,這兩種轉調箏部分採用腳踏或是手按機械,變換弦的張力來改變音高,從進而達到轉調的目的。腳踏轉調箏可轉十二個調,手按轉調箏有兩種,分別可轉五個或十二個調。

3.品式截弦變調箏,是由蘇州民族樂器一廠研制。在各有效弦長之內設置半音品位,變調時利用弦鉤將琴弦按中品格之上。

4.蝶式箏,是由上海音樂學院研制。它的外形如蝶,箏像是兩個箏併在一起,採用一個共鳴體,蝶式箏有兩列按五聲音階排列的弦,有兩個演奏區,可以奏五聲音階、七聲音階或者十二平均律的所有半音,在五聲音階定弦的某些弦距之間增加了半音或變化音,還裝有弦鉤以改變某些定弦音的音高 。

5.蘇州二十六弦腳踏截弦轉調箏,是由蘇州民族樂器一廠研制。在轉調部分,採用腳踏式岳山截弦轉調,通過踏板的變化,使前岳山的部分位置變化,達到轉調的目的。

由於用途、風格和習慣的不同,在配置方法上也有不同。有以鋼絲弦為主,適當配置金屬纏弦或尼龍纏弦的﹔也有以尼龍纏弦為主,適當配置鋼絲弦的﹔也有全部用尼龍纏弦或絲弦的。鋼絲弦音色明亮,纏弦音色渾厚。

古箏的流派

自秦、漢以來古箏從中國西北地區逐漸流傳到全國各地,並與當地戲曲、說唱和民間音樂相互融合,形成了各種具有濃郁地方風格的流派。傳統的箏樂早期被分成南北兩派,比較代表的為「浙江、山東、河南、客家、潮州、陝西」六大流派,到了現代,流派的區別已經很小了,幾乎每個流派都兼具各家之長。

河南箏:

由秦箏傳入河南和當地民間音樂「鄭衛之音」融合發展成為後世有名的中州古調。河南箏樂主要來源於「大調曲子」。「大調曲子」,原稱「鼓子曲」,是從明朝中葉至清朝乾隆年間流行在開封的曲藝為基礎逐漸演化而來的,最大的特色就是左手透過按、揉、吟、顫等技法奏出大、小顫音和上、下滑音,使旋律獲得裝飾效果,以增強音樂的藝術表現力和地方特色。

山東箏

流傳於山東省菏澤地區鄆城、鄄城。多和山東琴書、民間音樂有直接聯系。曲子多為宮調式,華麗明快為山東箏的特色,以八大板編組而成。

潮州箏:

流傳於潮州、揭陽、汕頭、閩南及東南亞等潮語地區,是「潮州弦詩」的一部份,由於其地理位置,潮州箏派是中國近代古箏海外傳播的先導,輻射範圍包括越南及琉球、東南亞、香港、澳門、台灣等。音樂結構特殊,旋法別具一格。主要曲調有《重六》《輕六》《活五》《反線》等。

客家箏:

又名漢樂箏曲,流傳於廣東省興寧、梅縣、蕉嶺、大埔和福建省西南部等客語地區,是「客家音樂」的一部份,保留了不少古曲。有「硬綫」、「軟綫」之分,硬綫曲較輕快、華麗,軟綫曲古樸典雅、旋轉委婉。

陝西箏

又稱為秦箏,是以今日之「秦聲」音樂風格為依據。所謂「秦聲」概指秦地的傳統音樂,包括戲曲、宗教音樂和所有陝西風格的民間音樂。 陝西風格箏曲的特色鮮明,音律上的特殊性和二個變音(即七聲音階中的四級音偏高,七級音偏低)的游移性為其特徵。

浙江流派

是中國箏樂流派的後起之秀,屬於南派。流行於浙江,江蘇一帶,因為杭州舊稱武林,故浙江箏曲又稱武林箏曲。浙江箏派的創始人王巽之先生將此派別發揚光大,著名曲目包括《將軍令》、《海青拿鶴》、《普庵咒》、《月兒高》等。

福建箏

流行於閩南語系和客家語系的漳浦縣、雲霄縣、東山縣、詔安縣、上杭縣、永定縣等閩西南諸縣區域,慣稱福建箏為「閩南箏」。起源於福建「古樂合奏」,以古箏為主奏樂器的演奏形式,自宋末明初至同治年間,已在福建各地長期流行著。

古箏的彈法:(參考維基百科)

有流派主張戴假甲,有流派主張不戴假甲。現在一般彈古箏者戴著假甲,通常由玳瑁、尼龍、塑膠等製成,由膠帶纏繞黏固定於第1指節。

戴假甲除了彈奏需要,亦有保護手指之作用。

指法:

右手

托:大指向外撥弦

擘:大指向內撥弦

抹:食指向內撥弦

挑:食指向外撥弦

勾:中指向內撥弦

剔:中指向外撥弦

花:大指在板前花帶出連撥數弦

連托:大指向外由高音至低音依次連續撥弦

連擘:大指向內由低音至高音依次連續撥弦

連抹:食指向內由低音至高音依次連續撥弦

連挑:食指向外由高音至低音依次連續撥弦,戴假甲者不用此法

連勾:中指向內由低音至高音依次連續撥弦

搖:大指反覆托擘一條弦

密搖:較一般的搖更快速

勾搭:中、大指先後彈出八度音列

小勾搭:用抹、托彈出少於八度的2個音列

雙托:用大指由內向外連撥2條弦,奏出大二度或增二度和弦

雙擘:用大指由外向內連撥2條弦,奏出大二度或增二度和弦,戴假甲者不用此法

雙抺:用食指由外向內連撥2條弦,奏出大二度或增二度和弦

雙勾:用中指由外向內連撥2條弦,奏出大二度或增二度和弦

撮:中、大指同時勾、托奏出八度和弦

反撮:中、大指同時剔、擘奏出八度和弦

小撮/食指撮:食、大指同時抹、托奏出少於八度的和弦

小反撮:食、大指同時挑、擘奏出少於八度的和弦,戴假甲者不用此法

左手:

按:彈奏前按弦,將空弦音升高小二度或更高

上滑:彈奏後按弦,奏出空弦音帶滑音升高小二度或更高的

下滑:彈奏前按弦至特定音高,彈奏後放手,奏出按弦音帶滑音至空弦音

猱:彈奏空弦音後,反覆上、下滑音

顫音:快速的猱

圖片來源:kknews
]]>
https://cisumspace.com/archives/4092/feed 0
你不可不知手沖咖啡的小秘密 https://cisumspace.com/archives/3848 https://cisumspace.com/archives/3848#respond Thu, 30 Apr 2020 10:03:49 +0000 https://cisumspace.com/?p=3848 手沖咖啡「教母」

不曉得你對現代精品咖啡的理解為何?台灣人一般會認為現代手沖咖啡因從日本傳入台灣,所以手沖咖啡就是日本發明的,但其實現代手沖咖啡的製作方法竟是從德國發揚光大的。現在我們所使用的濾杯更是一位歐洲的女性所發明的,想要了解手沖咖啡,就必須先認識這位名叫「梅莉塔・斑姿」的家庭主婦。

身為家庭主婦的梅莉塔・斑姿在她35歲時,因為想要打破過去傳統繁雜的咖啡製作過程,以快速和簡便的方式製作咖啡,她在兒子學校的作業簿上得到了靈感,於是利用作業簿的墨水紙,做出了全世界第一張咖啡濾紙,並在1908年登記專利,一直使用至今,過去利用麻布或是金屬濾網來濾掉咖啡渣的技術也就此走入了歷史,由低成本、簡易性十足、過濾功能強的咖啡濾紙取代,讓沖出來的咖啡苦澀味降低,更加順口。

除了發明了咖啡濾紙外,梅莉塔・斑姿更發明了手沖陶瓷濾杯,讓咖啡好喝的程度再度提升。在她成功的發明了製作咖啡的器具後,不少人鼓勵她自己出來開業,於是梅莉塔夫人在1908年替自己發明的濾紙以及濾杯申請了專利,並在同年成立了梅莉塔公司(The Melitta Company)。

手沖咖啡傳入台灣

梅莉塔夫人在創立了自己的公司後火速發展,讓她在往後幾年推出的咖啡商品熱賣歐洲,她更有了「咖啡界教母」的地位。不過,歐式咖啡在美式快速文化崛起後,強調慢煮式手沖咖啡的地位隨之衰弱,被像是星巴克這種咖啡店所取代。而近代的第三波咖啡浪潮則是從日本再次的崛起。現代的手沖咖啡經過日本的「禪道」以及「茶道」相互結合後,再次傳入台灣。

由日本傳入台灣的手沖咖啡則強調沖煮的過程以及在此過程中自我的享受,在最近幾年手沖咖啡也在台灣逐漸的流行起來,走到哪都可以買到咖啡,找到咖啡廳,而手沖咖啡雖然是由德國發明,但經過與亞洲傳統文化的融合,又從亞洲國家傳回了歐美,因此我們可以知道咖啡其實就是中西文化融合下的產物。

什麼是手沖咖啡?

至於什麼是手沖咖啡呢?它顧名思義就是將熱水倒在咖啡粉上,經由咖啡濾紙以及咖啡濾杯萃取出咖啡,整個沖煮過程約莫3至4分鐘。藉由不同熱水的流速、方向、溫度來控制咖啡的沖煮,使得每次沖煮出來的咖啡都會有不同的風味,與其他沖煮方法相比,手沖咖啡更能夠凸顯出咖啡豐富的香氣,使得手沖成為沖煮單品咖啡的首選方法。

而好喝的手沖咖啡必須要有純淨、澄澈與一致的風味,由於水會在可控的時間以及壓力下萃取出咖啡的油脂和香氣,手沖的濾紙則會吸附這些油脂,使得咖啡的口感順口,看似簡單卻非常講究經驗以及手法。

手沖咖啡的特色

1.萃取速度快

與其他咖啡煮法比起來,手沖咖啡因在萃取咖啡的過程中會不斷的將熱水通過咖啡粉,所以萃取的速度較快,並且可以從咖啡表層萃取較多的物質。不過由於萃取的速度較快,因此不容易控制,控制不當的話則會導致燒焦。

2.咖啡風味多元

在不同條件下沖煮出來的咖啡風味不盡相同,不同種類的咖啡豆適合的沖煮條件也不相同。

3.影相因素多

手沖咖啡雖說是在短時間內可以沖煮完畢,但沖煮的過程中牽涉到了水的溫度、流速、咖啡粉的顆粒、濾杯的形狀等等,諸多因素的影響下,會呈現出完全不同的結果,因此在煮咖啡前必須先做足功課。

而手沖咖啡強調的是咖啡的主要風味以及香氣,因此可以選擇較淺焙的豆子,淺焙的豆子酸質最突出且明亮,有最能展現出豆子的原始等級。另外也可以選擇中焙或更深焙的咖啡,不過手沖的重點還是在於主風味的凸顯。

手沖咖啡器具

工欲善其事 必先利其器,想要煮出好喝的咖啡,必定要有適合的器具,以下為你介紹需要準備的器具包括

1.濾杯/濾器

市面上提供有許多不同類型的濾杯,供大眾挑選。而濾杯的重點在於它影響著「水的流速以及萃取的時間」,濾杯的紋路則是影響萃取狀況。如果了解不同濾杯的特性,就能夠成功掌控手沖咖啡的風味。以下舉例常見的濾杯:

錐形濾杯(V60) :

它是市佔率最高的一種濾杯,濾杯濾徑大,流速快,因此在注水時就特別要注意,尤其是在築咖啡壁這塊就能展示它的重要性,若是注水不佳,就會導致咖啡萃取不足、過萃。

梯形濾杯(扇形濾杯):

分為一孔、雙孔、三孔,由於濾杯濾徑小,流速慢,因此有足夠的萃取,沖煮的風味則會較厚實。

波浪濾杯(蛋糕濾杯):

濾杯則有平整的底部,搭配特殊的波浪濾紙,濾出的咖啡口感最均勻,非常適合新手購入,但缺點就是它的價格相較其他的濾杯來的高。

金屬濾杯:

不需要搭配濾紙使用,就能保留住更多的咖啡油脂,口感更濃。

2.濾紙

不同濾杯有各自適合的濾紙。濾紙可以吸收咖啡的部分雜味和油脂,主要分為漂白、無漂白,差異在於濾紙味重還輕。

3.磨豆機

磨豆機分成手動、電動兩大類,不論手動或是電動都是可以調整顆粒的細度,適合手沖咖啡的粉末顆粒約如2號砂糖大小,顆粒越均勻,煮出的咖啡口感則會越好。

4.手沖壺

手沖壺款式眾多,在挑選時最重要的就是要留意「壺嘴、口徑大小、容量、保溫效果」這四點,壺口的大小以及壺嘴會直接影響控制水流時的難易度,初學者會建議使用細嘴壺,細嘴壺在手沖時,有穩定的流速,讓沖出來的咖啡品質保有它一定的水準。

5.電子秤

對手沖咖啡有一定了解的人會發現粉水比以及時間的重要性,精準的秤重和時間的掌握,皆為手沖咖啡的一環。挑選電子秤時建議最小刻度必須可達0.1公克,另外也可以照自己的使用需求選擇是否有電池。

6.溫度計

水溫的控制對於手沖咖啡也有很大的影響,溫差的掌握其實相當的重要,因此選擇數位的溫度計相對的也較容易控制溫差的變化哦。

結語

看了這麼多有關手沖咖啡的知識,你是不是對於手沖咖啡有了進一步的了解呢?雖說手沖咖啡相對於用咖啡機煮的咖啡來說,步驟確實複雜許多,不過也因為有了這些步驟,讓你在煮咖啡的同時也在享受各種細節的樂趣,所有的細節皆由妳自己來掌控,也讓最後沖煮出來的咖啡有屬於你自己獨特的風味,有興趣的你不妨動手自己做做看,說不定會有你意想不到的結果哦。

]]>
https://cisumspace.com/archives/3848/feed 0
與自然的真摯結合,編織出五彩絢爛的膠彩畫 https://cisumspace.com/archives/3841 https://cisumspace.com/archives/3841#respond Thu, 30 Apr 2020 09:34:52 +0000 https://cisumspace.com/?p=3841

膠彩畫的發跡地與歷史

膠彩畫深根台灣已歷時多年,但在許多人耳裡仍是一個相當陌生的領域,直到近幾年台灣著手舉辦有關膠彩畫的展覽,並將膠彩畫正式正名。要深入了解膠彩畫,就必須先了解其歷史,膠彩畫的前身可追朔至中國的工筆重彩技法,此繪畫方式間接的傳入了日本,即為日本國風文化時期(約為894年)的《大和繪》,大和繪保留了中國唐代青綠(金碧)的重彩風格,並融入了日本特殊的民族性格,到了江戶時代後期則演變為當時的《圓山四條派》。在日本明治維新的西化運動後所產出的日本畫就奠定了膠彩畫的畫種,有鑑於日本畫有它獨出一格的繪畫技巧以及樣式,又近一步的融入了西洋繪畫的表現技法,將西方印象派的表現手法結合日本傳統的大和繪、琳派、狩野派等日本畫中,膠彩畫的雛形也就此誕生。

日本明治時期膠彩畫家村瀨玉田作品

膠彩畫傳入台灣

正值日治時期膠彩畫傳入了台灣,當時膠彩畫被歸類至「東洋畫部」,稱作「東洋畫」,辦展時更是被列入所謂的國畫組。然而之後國民黨政府遷至台灣後,諸多畫家認為膠彩畫實為日本畫,不屬於國畫之類別,在當時甚至引發了「正統國畫論爭」,爭論它真正的類別屬性。最後全省每展國畫部分成了「第一部」與「第二部」,即傳統水墨和膠彩,就此減少了膠彩畫到底是屬不屬於國畫的爭議。

郭雪湖大師作品《南街殷賑》圖片來源:郭雪湖基金會

膠彩畫的興衰

1972年可說是重創膠彩畫的一年,原因是該年台灣與日本斷交,膠彩畫創作的評審委員全數被解聘,國畫第二部的評選更是被取消,大大的衝擊了膠彩畫在台灣的立足之地,關鍵人物林之助是當時唯一留下來的膠彩藝術家,而他的做為也讓他被封上了「台灣膠彩畫之父」的稱號。

台灣膠彩畫之父 林之助

1977年,台灣膠彩畫之父林之助教授解釋了「膠彩」一詞,「膠彩」顧名思義乃「以膠兌彩」,利用作畫的材質命名就不會有無意義的爭議產生,省展也在1979年恢復了國畫第二部的設置,1982年更將國畫第二部正式命名為「膠彩畫部」,也就是台灣膠彩畫正名關鍵的一年,膠彩畫的歷史得以延續,1985年,林之助接受當時東海大學美術系主任蔣勳的邀請,擔任美術系膠彩畫兼任老師,在該校首設膠彩畫課程,台灣的膠彩畫也漸漸的走入美術教育體系,讓莘莘學子得以在學校學習膠彩畫的一切。

林之助膠彩作品

膠彩畫的作畫元素

至於膠彩畫到底是什麼?膠彩畫是一種透過「膠」為媒介,膠可以分為

1.動物膠:由動物的皮﹑筋﹑軟骨等所含的蛋白質提煉而成,乾燥之後便於保存。

2.植物膠:桃膠(桃樹幹樹脂)梨樹、杏樹、李樹、櫻桃樹等等。

3.現代膠:包括鹿膠、三千本膠、粒膠、板膠、阿拉伯膠、蛋黃膠、合成膠等等。

將水混入天然之礦物粉末做調和後,利用手或是畫筆在紙、絹、麻或是木板作畫的一種創作形式,當中也可以透過不同素材,利用多種方式表現作畫之風格,並不限哪一種風格,也不限定哪一種國籍畫家的創作。雖然目前我們所使用的許多顏料大部份是向日本購買,但並不代表膠彩畫起源於日本,原因就如同第一段所述,膠彩畫的前身可以說是「工筆重彩繪畫」遺產,早在遠古時代,人們就會利用膠彩畫的材料作畫,在岩石上的稱為岩畫;在棺木上的稱為彩繪棺;在壁畫上的稱為敦煌壁畫;在絹帛上的稱為西漢帛畫;在磚上的稱為彩繪磚等等,這些作畫的顏料正是當今將膠彩畫的原料,因此膠繪彩的藝術在中國有深遠的歷史。

岩繪具 圖片來源:陳淑嬌膠彩畫

膠彩畫作畫時用的膠質可由動物、植物提煉出來,中國古代唐朝張彥遠所著的《歷代名畫記》中,記載了膠彩畫使用鹿膠、鰾膠、牛膠作為媒材。這些煉膠的方法在中國漸漸失傳,在日本使用軟質、硬質鹿膠、鰾膠、牛膠、兔膠、粒膠、三千本膠等膠材,這些膠的煉製方式,是依古代由中國傳入的方式煉製。

至於膠彩作畫的媒介除了膠之外,礦物質顏料,即岩繪具也是不可或缺的一大元素,岩繪具包含了

1.天然岩繪具(群青﹑綠青)

2.新岩岩繪具(人工研發的礦石)

3.合成岩繪具(大理石或其他岩石研磨之粉末)

4.金屬原料(純金泥、銀泥、純金箔、銀箔、鉛箔、鋁箔、黑箔、彩虹箔、洋金銅及親和箔等等)

5.從貝殼風化後製成胡粉

6.從黃土中精製成的材料

7.水干

8.由化學處理過的鉛白與朱、墨,

不同的成分將造就不同感覺、風格的成品。

林之助作品

結語

了解了膠彩畫的基本知識以及相關歷史背景後,你是不是對膠彩畫有近一步的認識呢?

由於膠彩畫的創作過程較為繁雜,並不是在短時間內可以創作生成的藝術,因此產量也相對的不高,過去也因為不高產的特質,不受外人的重視。不過,在近年來大力的推廣下,膠彩藝術在許多人心中已佔有一席之地,膠彩畫的新秀更是相繼輩出,讓膠彩畫的創作得以延續,可說是未來相當看好的一大創作型態,有興趣的朋友也不妨親自去體驗看看膠彩畫的魅力!

]]>
https://cisumspace.com/archives/3841/feed 0